Arte e prezzi pazzi, occorre un ripensamento

«Che tutti hanno un prezzo, e niente c’ha valore», cantava Francesco De Gregori. Quando parliamo di arte contemporanea valore e prezzi ci sembrano ingiustificatamente alti. Le aste pubbliche ci hanno abituato ormai a cifre da capogiro; a maggio Brown and Blacks in Reds di Mark Rothko è stato battuto all’asta a 86 milioni di dollari.

Oggi, per un mercato più equo, ci vuole un intervento delle istituzioni pubbliche e un «new deal» con nuove regole

Stiamo vivendo in pieno la capitalizzazione dell’arte, cominciata negli anni Sessanta, che oggi premia non soltanto i nomi consacrati per il loro valore culturale e storico, – da Hockney a Rothko, da Warhol a Bacon, e finalmente anche artiste come Frida Kahlo, Louise Bourgeois e Georgia O’Keeffe – ma anche i nomi dello star system dell’arte attuale: da Cattelan a Koons, da Hirst a Ai Weiwei per cui i collezionisti pagano «prezzi pazzi», tanto meno comprensibili all’opinione pubblica quando si tratta di arte concettuale, come nel caso di una banana incollata a una parete.

E allora che cosa determina oggi il valore delle opere d’arte? Per capirlo, sostiene Marco Guenzi, autore di Prezzi pazzi, arte a pezzi occorre incrociare gli sguardi e muoversi tra economia ed estetica, leggi del marketing e storia del collezionismo.

Il mercato dell’arte – che oggi vale circa 60 miliardi di dollari e vede sempre in testa gli Stati Uniti come leader mondiale delle vendite – ha origini antiche, ma conosce una svolta fondamentale nella seconda metà dell’Ottocento con la nascita dei salons degli Impressionisti e l’invenzione della nuova figura del gallerista-mercante con Paul Durand-Ruel; ma è a partire dal 1960 che l’arte comincia a essere considerata a tutti gli effetti una merce, annota Guenzi, economista di formazione: un bene economico molto particolare, il cui valore è determinato dalla tradizionale legge della domanda e dell’offerta, ma anche da altri e più sfuggenti fattori, come la capacità di persuasione di opinion leader che abbiano facile presa su un pubblico disorientato o su collezionisti improvvisati e ignoranti d’arte.

Scomponendo la questione nelle sue numerose sfaccettature, Guenzi cerca di smontare i meccanismi, che sembrano misteriosi e inaccessibili, che regolano il mercato dell’arte secondario, ovvero tutto ciò che viene rivenduto dopo la prima vendita (la transazione diretta tra artista e acquirente) e che coinvolge collezionisti, art dealer, galleristi che trovano nelle fiere internazionali come Art Basel importanti piattaforme di vendita.

Ed è qui che entrano in gioco dinamiche e leggi di marketing che rendono le opere degli status symbol, icone riconoscibili ed esclusive, aumentandone il valore estrinseco. Anche se in molti casi il loro valore culturale ed intrinseco ci sembra discutibile. Perché oggi l’arte «costituisce un bene posizionale, ovvero un prodotto la cui desiderabilità (o meglio utilità) dipende dalle scelte di consumo di altri individui» e quindi rappresenta, paradossalmente, un fenomeno di massa per delle élite.

E si torna così al gesto profetico di Piero Manzoni che nel 1961 aveva inscatolato i suoi escrementi e aveva venduto letteralmente a peso d’oro la sua Merda d’artista. Per Guenzi, però, si prospetta un rischio crescente di spettacolarizzazione dell’arte, favorito anche da alcune tendenze già in atto come l’aumentato potere di algoritmi e influencer, ma anche dal peso delle opinioni di un pubblico di appassionati utenti dei social. L’autore mette in guardia sulla prospettiva di uno scenario distopico in cui gli artisti saranno costretti a commercializzare in rete le loro opere e i grandi attori del mercato stringeranno alleanze per difendere le loro roccaforti. Per invertire la rotta, avverte Guenzi, il mondo dell’arte ha bisogno oggi di chi la «ama davvero», di un intervento delle istituzioni pubbliche, di un vero e proprio new deal con nuove regole che rendano il mercato più efficiente e più equo.